todos os filmes que vi: nota6 | Your Blog Description

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Se há filmes que me marcaram profundamente, este é certamente um deles. Umas semanas antes de ver o filme, estava eu a ler o livro "Wild at Heart - The Story of Sailor and Lula" do Barry Gifford. Depois do filme, cheguei à estranha conclusão de não perceber quem adaptou o quê: se o filme adaptou o livro, se o livro adaptou o filme. É que o livro varreu-se da mente. Já o filme ainda aqui está... É estranho, eu sei. Mas o David Lynch não é propriamente um gajo normal. Mexe com o cérebro de uma pessoa.
Em Wild at Heart, Lula e Sailor estão louca e perdidamente apaixonados. Parecem certos um para o outro mas há um entrave pelo meio: Marietta Fortune, a mãe psicótica de Lula que enlouquece um pouco mais sempre que imagina os dois juntos. Ela tem um breve momento de sossego quando Sailor, num acto tresloucado, à frente de toda a gente, esmaga a cabeça de um assassino contratado para o matar. (Que abertura de filme!...) Assim que sai da prisão, Sailor volta para os braços de Lula e acabam por fugir para a Califórnia... mas Marietta contrata um novo assassino para os perseguir. Indiferentes a tudo isto, os dois amantes seguem estrada fora... até que passam por acidente de automóvel e assistem à morte duma jovem. Aí percebem que algo vai correr muito mal com eles.
A viagem de Sailor e Lula é povoada pela criaturas e personagens mais maradas e estranhas que se possam imaginar. Saído da mente perturbada e negra de David Lynch é exactamente isso que se espera. Aquela belíssima negritude... Aquela "estranheza" estranhamente atraente... O seja, o mundo de David Lynch... Bobby Peru, por exemplo, é uma das personagens mais nojentas, odiosas e maradas que me lembro de ver num filme. É tão asqueroso e tão estranho que nunca mais me saiu da cabeça... Mas é por isso mesmo que se vê um filme do Lynch, não é verdade? Há por ali coisas que não se vê em mais lado nenhum.
Nicolas Cage é Sailor Ripley e Laura Dern é Lula, e juntos fazem um dos casais do cinema mais "fora" que me lembro. Acho que se pode dizer claramente que Cage tem aqui o seu melhor papel e melhor interpretação de toda a carreira... Como as personagens são todas muito boas, os actores têm muita margem de manobra para brilhar. Willem Dafoe como Bobby Peru é inesquecível. Mas há muito mais: J.E. Freeman, Isabella Rossellini, Harry Dean Stanton, Pruitt Taylor Vince, David Patrick Kelly, Jack Nance (o actor fetiche de Lynch) e as jovens Sheryl Lee e Sherilyn Fenn que se tornariam estrelas mundialmente conhecidas graças a... Twin Peaks. Nicolas Cage e Laura Dern são obviamente as figuras centrais da história, mas a Marietta Fortune interpretada pela excepcional Diane Ladd está no mesmo nível de loucura e intensidade dramática. Ainda por cima se pensarmos que Diane Ladd é na realidade a mãe de... Laura Dern. Tudo aqui são coisas estranhas...
Wild at Heart ainda é para mim o melhor filme de Lynch. O mais estranho, o mais violento e o mais fantástico e simbólico de todos. É aquele universo negro trágico e de alguma forma, cómico ao mesmo tempo. Tudo é simbólico, tudo é relativo e tudo pode significar outra coisa qualquer. Wild at Heart não é um filme fácil de ver. É graficamente violento e sexualmente explícito. Tem um banda sonora absolutamente espectacular, mas da pesada que não será de certeza do agrado da maior parte do público. É uma mistura psicotrópica entre a Alice no País das Maravilhas e o Feiticeiro de Oz. Wild at Heart é todas estas histórias estranhas para crianças como se elas fossem originalmente feitas para adultos.
Este foi o primeiro 'Lynch' que vi na minha vida e marcou-me para sempre e ainda por cima numa verdadeira sala de cinema, o que ainda magnificou mais o efeito. Aquelas músicas... As imagens... As chamas num fundo negro... O sangue... Desde esse momento - que se pode considerar como traumático -, nunca mais vi o filme. Mas na realidade, o "corte" mental foi tão profundo que ele nunca mais de cá saiu. Wild at Heart é mais que um filme. É uma experiência cinematográfica que dificilmente se esquece. Para mim, é uma referência. Um dos meus filmes preferidos de todos os tempos. ●●●●● + ●

Indiana Jones é um professor universitário de arqueologia mas também é um duro aventureiro que gosta de arregaçar as mangas e se for preciso, partir para a violência. Como é especializado em antiguidades clássicas, o governo americano contrata-o para encontrar a Arca da Aliança e assim assegurar que os Nazis não lhe conseguem deitar a mão e aceder ao seu imenso poder destrutivo. Jones inicia assim uma das maiores aventuras do mundo do cinema e que durará várias décadas...
A personagem e o filme é tão conhecido, tão transversal e tão ubíquo que já faz parte do conhecimento geral. Não faz sentido estar aqui a falar do filme propriamente dito.
A minha ligação com Raiders of the Lost Ark é profunda. O contexto no qual eu vi o filme é radicalmente diferente dos dias de hoje. Vi-o pela primeira vez por volta de 1985, o que quer dizer que o vi numa autêntica realidade alternativa. Nessa altura, quando se queria ver um filme tinha de se ir ao cinema. Mas por outro lado, os VHS começavam a dar os primeiros passos e lentamente começavam a invadir a casa das pessoas. O impacto inicial dos VHS não foi assim tão marcante porque havia muito poucos filmes nesse formato. E é aqui que começa minha ligação quase umbilical ao Indiana Jones. Se já era rara a pessoa que tinha um VHS (ainda existiam inclusive muitas TVs a preto e branco!!!...), mais raro ainda era a pessoa que tinha uma cassete. Note-se que a cassete tinha de ser um original pois não havia forma de fazer cópias. Só em termos comparativos, os preços destas "coisas": uma TV: cerca de 100 contos! Um leitor VHS: cerca de 100 contos! Uma cassete original: cerca de 15 contos! Portanto, era material "profissional" que só existia nos video clubes. No entanto, um tio meu lá perdeu a cabeça e conseguiu comprar uma cassete caríssima do Raiders of the Lost Ark. O filme tinha sido um marco no cinema de acção e um gigantesco sucesso de bilheteira e por isso lembro-me de ouvir os mais velhos a falar de como era espectacular. Da cena da bola, das aranhas, dos nazis e da arca perdida. Muito antes de ver o filme, já o tinha imaginado na minha cabeça. Mas nada me preparou para o impacto de ver o filme com os meus próprios olhos. Siderei completamente, apesar de ter acontecido numa TV minúscula (quanto comparado com os tamanhos XXXL de hoje em dia). Nessa altura, sempre que ia até casa do teu tio (e eram muitas vezes...) obrigatoriamente (re)via o filme. Também não havia alternativa... Eu e o meu primo sabíamos todas as cenas de cor, todos os diálogos, tudo... Devo ter visto o Raiders of the Lost Ark umas 20 ou 30 vezes. E isto, só enquanto era miúdo, porque depois continuei a revê-lo constantemente ao longo do tempo. Se estiver a ser transmitido em algum canal de TV, simplesmente não lhe consigo resistir. Aquela música parte-me todo... Oh! Começa automaticamente a ecoar na cabeça... Não só pelo filme, mas também pela lembrança daqueles momentos antigos em que o miúdo (acho que isso aconteceu com muita gente...) queria era ter um casaco de couro, um chicote e ir por aí à aventura, em busca de um grande tesouro, derrotando os inimigos pelo caminho, nem que para isso tivesse que ficar preso num túmulo egípcio cheio de cobras e esqueletos ou que tivesse de passar por baixo de um camião em movimento.
Este é um daqueles filmes fáceis de "criticar" porque o tenho gravado integralmente na cabeça. Agora mesmo começam (novamente) a ecoar as notas da música de John Williams que é sem dúvida uma das melhores de sempre. A marcha do Raiders é um hit intemporal assim como a restante banda sonora original. Poderia estar aqui a falar de tudo o que Raiders of the Lost Ark tem de bom, mas seria entediante. É preferível enumerar o que tem de mal, porque é muito mais fácil. Nada. Não tenho um único defeito a apontar a este filme. É dos filmes mais consensuais que já encontrei, tanto entre a crítica como entre o público. Mas como em tudo na vida, há sempre quem discorde. Já li, por exemplo, que a personagem do Indiana Jones é irrelevante para o desenvolvimento da história. Se se pensar bem, na realidade, os nazis conseguem ficar mesmo com a arca, mas inadvertidamente matam-se todos no final... E o restante filme, pergunto eu? É para ignorar? Aqueles cenários? As cenas de acção memoráveis? A bola gigante de pedra? As tarântulas? As cobras? Os túmulos egípcios? O Nepal? Todas as personagens?... Há críticas que não consigo mesmo entender... Bem... para mim, não existe melhor filme de acção. É um filme moderno que parece ter estreado ontem, mas que já vai com uns consideráveis 40 anos em cima. Para mim é um daqueles filmes intemporais e perfeito do princípio ao fim. O entusiasmo é tanto sempre que falo no filme que já me esquecia de mencionar os actores. Karen Allen, Paul Freeman, John Rhys-Davies, Denholm Elliott compõe o "núcleo duro" mas não há ninguém que destaque pela negativa. E depois há Harrison Ford, "o" Indiana Jones. Li muita coisa sobre o filme e sobre como Tom Selleck era a primeira escolha e quase ficou com o papel... Não. Não. Não. Toda a lógica do universo diz que apenas Harrison Ford poderia ser o Indiana Jones. Não consigo sequer imaginar outro actor naquele papel.
Raiders of the Lost Ark tem tudo o que procuro num filme de acção: bons actores numa boa história, com um bom ritmo e uma boa banda sonora. Só falta mesmo agradecer ao homem que praticamente sozinho criou o moderno cinema de acção: Steven Spielberg. Raiders of the Lost Ark é um dos filmes da minha vida e sem dúvida o filme que mais vezes vi. É a minha referência para todos os filmes de acção e até ao dia de hoje ainda não superado. Um marco do cinema absolutamente obrigatório. ●●●●● + ●

Revi este Bram Stoker's Dracula de Francis Ford Coppola há pouco tempo, mas nem era preciso. Este é um daqueles filmes que "arquivei" mentalmente. Lembro-me de tudo. O que na minha escala qualitativa é o mais importante. Se "cola" é porque é bom. Se "cola" completamente, é por é mesmo bom... E este é um dos casos.
Já vi muitos Dráculas, variantes e muitas versões de Dráculas mais ou menos fiéis ao livro original e não tenho dúvida nenhuma que este é o melhor filme de todos. Aliás, não consigo perceber como é que poderia ser melhor. É perfeito. Grandes actores com grandes prestações, grande ritmo, grande jogo de luzes e grande som. Tudo pensado ao mais ínfimo pormenor. Só o facto de Francis Ford Coppola usar deliberadamente "efeitos especiais antigos" para não chocar com o carácter gótico da história é um pormenor de um verdadeiro mestre. Não é apenas lógico, é simplesmente genial.
Nota-se que há um fio condutor que une todas as histórias: Van Helsing, Lucy, Mina e as diversas fases e facetas de Dracul misturam-se todas numa excepcional narrativa, em que o sangue se transforma numa linha que tanto dá a vida como dá a morte. Para além de toda a questão inerentemente romântica dos vampiros com o amor a fluir através dos tempos (e a história do vampiro Dracul é mesmo a derradeira história de amor), na realidade este é um filme de acção, só que não tem perseguições e explosões. Toda a acção vem da narrativa e da forma como Copolla consegue impor ritmo às próprias palavras e cenas. Excepcional. Nada falha neste filme e só há um responsável por isto. Francis Ford Copolla. Um mestre moderno.
Gary Oldman e Winona Ryder fazem um par romântico estranhamente distantes que ficou na história porque há qualquer coisa entre eles para lá da simples química entre actores. Anthony Hopkins, um "senhor" em qualquer filme, no papel de um tresloucado Van Helsing, que mais parece uma versão gótica do Hannibal Lecter. Keanu Reeves, em versão muito insossa mas fundamentalmente perfeito para o papel. E um lote de secundários como Richard E. Grant, Cary Elwes, Billy Campbell, Sadie Frost (Lucy, Lucy... que perfeição sanguínea, Lucy...), Tom Waits (que lunático brilhante, master...) e procurando bem ainda se consegue encontrar por lá a Monica Bellucci, que como toda a gente sabe, é uma verdadeira estátua clássica viva...
Poderia incluir aqui uma qualquer aproximação metafísica dos vampiros, da história cinematográfica destes sugadores de sangue românticos ao longo dos tempos ou o porquê do fascínio dos vampiros nunca esmorecer... Mas não me apetece. Tenho muito mais filmes para "arquivar" e já está tudo na internet...
Dracula é um filme para ver e rever e aprender sobre cinema. Uma verdadeira aula e um textbook de como fazer um filme. O melhor filme de vampiros alguma vez feito e que muito dificilmente será ultrapassado. Um filme para figurar em qualquer enciclopédia de cinema. Um clássico moderno. Obrigatório. Um dos meus filmes preferidos. ●●●●● + ●

Todd Anderson, um miúdo bastante tímido vai para o mesmo colégio que o irmão mais velho. Neil Perry, o colega de quarto tem uma personalidade diferente, mais aberto e popular. Ambos têm de corresponder às expectativas da família, especialmente Perry, que tem um pai omnipresente e opressivo quanto às suas opções na vida. Juntamente com um grupo de outros jovens rapazes encontram Keating, um novo professor de inglês que lhes fala do Clube dos Poetas Mortos (Dead Poets Society) que os encoraja a irem contra o status quo e "aproveitarem o dia". Cada um à sua maneira vai incorporar este novo pensamento e que os vai mudar radicalmente. Dead Poets Society não só mudou a mentalidade daquelas personagens, mas tenho a certeza, mudou a perspectiva de muitos rapazes que na altura da estreia, tinham mais ou menos a mesma idade. Incluo-me orgulhosamente nesse grupo.
O que me ficou logo na memória foi o inicio do filme com a fórmula matemática para calcular a grandeza de um poema pelo Dr. J. Evans Pritchard. Dizia a fórmula que: P (perfeição) x I (importância) = G (grandeza do poema). Não era (nem sou) um grande fã da poesia, mas percebi a mensagem de que tentar quantificar matematicamente o impacto das palavras é algo inerentemente errado. É como tentar esquematizar emoções. E aí o filme apanhou-me logo.
Depois, o professor Keating. Este é aquele professor que uma pessoa sonha ter quando é aluno. Não impõe coisas pré-estabelecidas, é um rebelde quando comparado com os restantes professores e suporta a liberdade de pensamento dos alunos. Não quer dizer que seja um baldas, simplesmente quer dizer que faz as coisas de forma diferente. Valoriza a capacidade de o aluno se transcender a ele próprio e descobrir coisas que nem sabia que era capaz de fazer.
"Carpe diem. Seize the day, boys. Make your lives extraordinary". Acho que esta mítica frase que, ainda hoje em dia, deve ecoar em muitas cabeças por esse mundo fora, resume o sentimento perfeito do filme: aproveitar a vida e tudo o que ela tem de melhor, sugar-lhe o tutano e aproveitar isto para fazer algo de extraordinário. Por alguma razão aquele "carpe diem" sussurrado pelo Robin Williams ainda perdura no tempo...
Num filme desta intensidade poderia dizer que os principais papéis são para Robin Williams, Robert Sean Leonard, Ethan Hawke, Josh Charles e Kurtwood Smith, mas também não poderia deixar de mencionar Gale Hansen, Dylan Kussman, Allelon Ruggiero, James Waterston, Norman Lloyd e todos os actores sem excepção, até ao mais pequeno papel secundário. Todos estão perfeitos. Obviamente que o Robin Williams é algo... que... nem tenho palavras. É um gajo excepcional. Vai da comédia de situação ao drama mais profundo em 3 segundos. É único. Um dos meus actores preferidos de todos os tempos. Um génio da comédia e do drama.
Sobre este filme de Peter Wier poderiam escrever-se livros inteiros. A dualidade constante na eterna luta entre a tradição e a modernidade; entre a rigidez da disciplina versus a liberdade de pensamento; a complexidade e conflito latente das relações geracionais entre jovens e velhos, entre pais e filhos... as consequências trágicas que podem acontecer quando se tenta seguir os próprios sonhos indo contra a vontade dos outros... Isto dava para enciclopédias. Mas o melhor é simplesmente ver e desfrutar do leque de emoções que Dead Poets Society apresenta.
Algumas coisas carecem de uma explicação lógica... e esta é uma delas: "O Captain! My Captain!"... aquela frase na altura da despedida do Keating... aqueles miúdos a subirem para as secretárias... Esta cena deixa-me em lágrimas só de pensar. Peter Weir criou uma cena que mexe profundamente com os meus sentimentos. Eu já vi este filme uma dúzia de vezes e todas as vezes sem excepção, desato a chorar copiosamente. Há qualquer coisa de... não sei explicar. A única coisa que posso fazer a agradecer ao Peter Weir e ao professor Keating por me terem também mudado para melhor. Por me terem tornado mais motivado e tentar aproveitar o melhor da vida. Se pudesse, também eu estava ali em cima da secretária a dizer com orgulho "O Captain! My Captain!". Não consigo escrever mais... as lágrimas rolam-me cara abaixo. Lá está... não consigo explicar... Carpe Diem para todos. Obviamente, um dos filmes da minha vida. ●●●●● + ●

Para comentar decentemente um filme como Edward Scissorhands, eu deveria ter aqui a tocar a música do Danny Elfman. Como não é o caso, a única coisa que posso dizer é que gosto mesmo muito este filme. Gosto de tudo sem excepção. Gosto do estilo, da história, da música, da inocência, do drama, da fantasia... de tudo. Não tenho uma única coisa a apontar a Edward Scissorhands. É uma moderna alegoria perfeita. É a magia do cinema e das histórias na sua forma mais simples, mas que no entanto toca nos pensamentos filosóficos mais profundos da mente humana. Tem metáforas potentes. Basta pensar que Edward, para além do look infantil com o cabelo do Robert Smith, é para todos os efeitos um ser imortal. Incompleto, mas imortal. Na realidade, para além dos cenários bonitos da suburbia americana, Edward Scissorhands é uma visão sobre a sociedade actual, a partir do ponto de vista de um ser imortal e solitário que quer misturar-se e ser uma personagem normal como todos nós. Poderia estar aqui um dia inteiro a aprofundar os grandes significados e pensamentos que me ocorrem sempre que me lembro deste filme, mas não me apetece. Para isso é que inventaram a internet. Há milhões de sites que misturam as ilações da história de Edward Scissorhands com os grandes temas filosóficos. Para mim, é mais um filme "inocente" que um filme filosófico, apesar de lhe reconhecer a mesma qualidade. Tem uma qualidade inerente, tão infantil, que me enche o coração e me deixa melancólico. É um filme que mostra as qualidades e defeitos da sociedade humana, visto por uma personagem muito especial (nitidamente é a visão do Tim Burton sobre o mundo), mas que tem uma esperança final que tudo acabe bem. É um foco de luz na escuridão. É a viagem de uma alma humana pelos ruas da sociedade. Bem, acho que estou a divagar novamente...
A grande fatia do sucesso de Edward Scissorhands tem de ser atribuída ao Tim Burton. Não só pela realização que busca inspiração nos grandes filmes clássicos iniciais do terror e suspense, mas também na estética e, lá está, na inocência original desses filmes. Se calhar o termo inocência nem é o melhor termo, o melhor seria ingenuidade... ou ainda melhor, pureza. Pureza não está ligado directamente a conceitos como bom ou mau, é mais um conceito tipo Frankenstein quando ele atira a miúda para o lago. Há danos, claro que há danos, mas não são fruto da maldade. Os filmes iniciais de Tim Burton, e este em particular, tem muita dessa qualidade. Burton já tinha consolidado uma carreira e uma filmografia "diferente" com Beetlejuice e Batman, mas com este filme estranho de um jovem imortal mas incompleto, com tesouras em vez de mãos, ele conseguiu criar um novo tipo de cinema e estilo: o filme "Tim Burton".
Não consigo ver mais ninguém no papel de Edward Scissorhands para além de Johnny Depp. É mais um daqueles casos em que um actor nasceu para um papel. Winona Ryder no pico das performances, Dianne Wiest na perfeição e tantos outros como O-Lan Jones, Alan Arkin, Anthony Michael Hall ou Kathy Baker, todos impecáveis. Obviamente, tenho que fazer um destaque muito especial para o Vincent Price que é uma das peças chave do filme, mesmo que só apareça por breves instantes. Logo à partida por ser uma lenda do cinema. E não só, porque aquela voz fantasticamente gutural do Thriller do Maichel Jackson é dele. É um actor com mais de 200 filmes no currículo e que faz parte do meu imaginário através dos filmes de terror antigos. É um dos verdadeiros mestres do terror e uma figura já mitológica da história do cinema. Acresce dizer que este foi o último filme em que participou, e para completar a mitologia, a última cena em que aparece num filme, é a da sua própria morte. Lendário.
Tim Burton criou aqui uma simbiose estranha que ainda funciona hoje em dia; misturou com sucesso a negra visão gótica, mas inocente dos antigos filmes de terror como uma inovadora estética, às vezes quase em tom pastel. Mas isso não se passou apenas do campo visual. Esta lógica manteve-se em todos os aspectos e o resultado foram histórias totalmente originais. Edward Scissorhands faz parte do meu imaginário e está arquivado no mesmo sítio dos grandes histórias clássicas tipo Alice no País das Maravilhas... (acho que não é coincidência que Burton tenha mais tarde adaptado a história para cinema...) Que originalidade. Que novidade. Que coisa tão diferente. Não tenho muito mais adjectivos. Edward Scissorhands entrou directa e imediatamente no lote de filmes clássicos e intemporais porque é um versão moderna das grandes fábulas da humanidade. Essencial. Perfeito. Perfeitamente intemporal. Um dos meus filmes preferidos de sempre. ●●●●● + ●

O Papillon (de Franklin J. Schaffner) é um dos filmes da minha vida. Vi-o muito novo e marcou-me profundamente. De certa forma teve o dom de me "educar". Tive situações da minha vida em que já não aguentava mais e lembrava-me do Papillon e conseguia "fazer mais um esforço". Quando tinha vontade de desistir, lembrava-me do Papillon e continuava mais uma vez. Papillon é isto. Uma história épica de perseverança, de capacidades sobre-humanas, de aguentar o impossível, de atingir o inalcançável, de resiliência imparável, de superação absoluta para lá de todas as capacidade físicas e mentais. Tenho uma aversão natural à injustiça. Ver um homem sofrer castigos intermináveis por um crime que não cometeu, causa-me náuseas. Por isso, é que Papillon é para mim um épico inesquecível, que me lembra sempre que não há prisão forte o suficiente para segurar a determinação inabalável de um injustiçado.

Papillon é baseado na história verídica de Henri "Papillon" Charrière, que depois de injustamente condenado por um assalto a um banco, é enviado para uma prisão de alta segurança na colónia penal da Guiana Francesa. Lá, acabaria por sofrer os tratamentos mais desumanos que se podem imaginar. Anos fechado em solitária, muitos deles em escuridão total, fome e torturas constantes. Não admira que o seu único propósito fosse a fuga. Curiosamente, há pouco tempo descobri que tenho o livro mas nunca o li. É uma falha enorme. Espero ter tempo nas férias para o ler com atenção. Pelo que li, percebi que o filme se desvia consideravelmente da história original, assim como a história original do livro se afasta da verdadeira história de Charrière. Depois de ler o livro, já terei uma ideia do desfasamento "dramático", mas isso não vai mudar nada em relação ao que sinto pelo filme.

Se o filme é muito bom e intemporal, deve-o principalmente à realização impecável de Schaffner, mas especialmente ao argumento exemplarmente bem escrito da lenda de Hollywood que foi Dalton Trumbo. Já não se fazem pessoas assim. Já não se escreve com esta qualidade para fazer um filme. Agora tem de ser tudo muito mais imediato, mais atractivo e com mais acção. É uma pena. Mas o que acho que elevou este Papillon a filme de culto foi mesmo a dupla principal de actores, Steve McQueen e Dustin Hoffman. O restante casting é muito bom, mas esta dupla foi um evento único. Hoffman é desde então um dos meus actores favoritos, mas o Steve Mcqueen está num nível ainda superior. Há ali um carisma, um falar sem abrir a boca que é único. É daqueles actores que têm uma força visual tão grande que só aparecem de décadas a décadas na história do cinema. Um dos maiores de sempre e um dos meus preferidos de todos os tempos. Não me canso de o ver. Na minha memória ficou gravado aquele salto do penhasco para oceano e o grito seco no final, enquanto flutuava nos sacos de cocos em direcção à tão esperada liberdade: "Hey you bastards, i'm still here". Estou contigo, Papillon. ●●●●● + ●

Se há filme que merece a classificação de clássico intemporal é Blade Runner. É um prodígio técnico e estético. Acho que mais nenhum filme foi tão à frente no aspecto futurista (ou retro-futurista) como este. É bom lembrar que este é um filme de 1982. É tão antigo que os cartazes promocionais ainda eram pintados! Para quem vê o filme agora não tem noção do que era mundo em 1982 em termos de noções tecnológicas e até estéticos. O mundo era todo colorido e este era um filme negro. O principal responsável é o visionário Syd Mead com o seu "retro-futurismo" que tenho a certeza foi ao futuro e voltou com esquissos. É quase impossível que não tenha sido assim. Foi um filme que me marcou profundamente. Ainda hoje ecoam no meu cérebro frases como "I’ve seen things you people wouldn’t believe", "all those moments will be lost in time, like tears in rain", "Too bad she won’t live. But then again, who does?", "I want more life, fucker!", ou "Quite an experience to live in fear, isn't it? That's what it is to be a slave". A partir do dia em que o vi, todos os outros filmes que já tinha visto tornaram-se "piores" e os que vieram a seguir precisavam de chegar a um fasquia muito mais alta para os considerar "bons". A história, o visual, a música de Vangelis, o estilo dos actores, aquela ambiência húmida, escura e mesclada de culturas, tudo. Mudou-me mesmo! Fez o meu cérebro começar a pensar de uma forma diferente. Pôs-me a pensar como eram ridículos muitos outros filmes que já vira sobre o "futuro".
Mas por muito que se diga bem deste filme, é impossível não mencionar a questão do gosto do público num determinado momento e a apreciação (e interferência) feita pelos estúdios. Infelizmente nunca vi o Blade Runner numa sala de cinema. Espero pacientemente que um dia o reponham, já que agora é um "clássico intemporal". Mas nem sempre foi assim. Muito já li sobre as diversas versões do filme (para além do "original", já vi um Director's Cut, um Final Cut e outras duas versões com algumas mudanças pelo meio e no final) e como isso foi influenciado pelas decisões de executivos de estúdio que obviamente apenas estão interessados no resultado de bilheteira e não nas questões estéticas ou autorais. É a mesma guerra de sempre. Curiosamente, a versão que me ficou no cérebro - e até é a de que gosto mais - é precisamante a versão "cortada" pelo estúdio, provavelmente porque foi a primeira que vi e também a que vi mais vezes. Não sei quantas vezes terei visto o Blade Runner, mas deve andar na casa das dezenas. Sou capaz de reconhecer frames isolados do filme e é provável que saiba os diálogos de cor. Eu sei que é um bocado freak da minha parte, mas isto tem que ver com o VHS. Isto deve ser estranho para algumas pessoas de agora, mas houve uma altura em que se alugava filmes em cassetes, com uma fita magnética que rodava lá dentro do invólucro preto. É estranho mas verdade. Mas o que poderá ser mais estranho é que alugar um filme, queria dizer que se tinha 24 horas para o ver de depois devolvê-lo. Rebobinado. Quer isto dizer que chegando ao fim do filme (e da bobine de fita) era preciso voltar a pô-la no início. Pagava-se uma penalização se não fosse entregue assim! Pode não parecer, mas o mundo era algo totalmente diferente. Questões técnicas à parte, esta questão dos alugueres de 24 horas levava a que freaks como eu que gostavam muito de um filme, a única coisa que podiam fazer era alugá-lo de novo (muito difícil, porque era caro!) ou em alternativa vê-lo várias vezes no mesmo dia, o que também não era fácil. Arranjar outro vídeo para fazer uma cópia directa (o antepassado da actual pirataria) era quase impossível devido ao preço e fragilidade dos VHS's. A única solução era esperar que desse na TV e gravá-lo. Foi o que aconteceu. E como as cassetes "virgens" também eram raras e caras, um gajo tinha de ser muito selectivo, por isso só tinha para aí uns 5 filmes que via insistentemente. Posso dizer que vi dezenas de vezes o Blade Runner e o mesmo se passa com o Mad Max, Raiders of the Lost Ark e o Enter the Dragon. Durante muito tempo foram os únicos filmes que "possuía" e portanto os únicos que podia rever. Bem, estou a divagar para o saudosismo... Seguindo em frente...
Como já disse, Blade Runner nem sempre foi um "clássico". Muito pelo contrário. Quando o aluguei pela primeira vez em cassete, fiquei imediatamente "maluco". Nunca tinha visto nada assim. Pensei que era algo que toda a gente já tinha visto e adorava. Para surpresa minha, ninguém conhecia o filme. E já estou a falar de finais de 80's, princípios de 90's. O filme já tinha 10 anos e ninguém o conhecia. Como é que isso podia ser? Como é que uma obra-prima tinha caído no esquecimento? Eu tenho uma pequena enciclopédia editada nos anos 90 - "Os melhores filmes de todos os tempos" - e o filme nem sequer é mencionado!! Aliás, nessa altura, o Blade Runner nem sequer se chamava só Blade Runner; tinha um sub-título muito sugestivo para ser "comercial": Blade Runner - Perigo Eminente!
(um pequeno à parte relacionado com o título. Desde sempre me intrigou o facto do título nada ter que ver com o filme. Só muito mais tarde li que apesar do filme ser baseado no livro de Philip K. Dick "Do Androids Dream of Electric Sheep", o título vem de um livro de Alan Nourse chamado "The Bladerunner". Mas o título ainda tem uma história mais rocambolesca. O William Burroughs pegou no livro de Nourse e escreveu uma peça chamada "Blade Runner: A Movie" em que descreve o blade runner com uma pessoa que vende instrumentos cirúrgicos ilegais numa sociedade sem direito a cuidados médicos. O Ridley Scott gostou tanto do título que comprou apenas os direitos do título mas não do livro. E fez ele muito bem porque é perfeito.)
Por tudo isto dá para perceber duas coisas muito importantes. A primeira é de que a interferência dos estúdios no corte final do filme não é, para mim, uma coisa necessariamente má; a segunda é que a aceitação (ou não) do público é uma questão bipolar e não é obrigatoriamente um garante de sucesso. Mas chega de "histórias secundárias".
Blade Runner é único e muito à frente do seu tempo. Presumo que esteja para aparecer uma edição especial qualquer porque o filme passa-se no "futuro", mais precisamente em Novembro de 2019. Estamos quase lá. E se alguém tinha dúvidas que mostrava o futuro "correctamente" deixo aqui uma parte da história e o seu enquadramento. Tudo se passa numa decadente cidade de Los Angeles, cheia de poluição e consumismo desenfreado dominada por gigantescas corporações empresariais. O controlo policial é omnipresente. Toda a gente quer sair dali, indo à procura de colonizar outros planetas, pois este já nada de bom tem para oferecer. Tecnologicamente, os humanos são muito evoluídos, dominando completamente a engenharia genética, chegando ao ponto de replicar perfeitamente todos os animais que entretanto se percebe que foram extintos, assim como toda a vida natural. Parece algo assim tão distante e inverosímil? Em 1982, talvez. Hoje em dia já não parece assim uma história tão negra e estranha, não é verdade? Parece que isto está prestes a acontecer...
Mas se as questões sociais e ambientais são tratadas com uma "leveza" quase implícita, a questão filosófica do que é ser humano é tratado mais profundamente. No primeiro plano estão os Replicantes, cópias perfeitas dos humanos, usados como ferramentas para os trabalhos mais duros fora da Terra. Os Replicantes são tão perfeitamente humanos que se tornou necessário criar testes de empatia para distingui-los dos restantes humanos. É interessante que os testes se baseiem essencialmente no tratamento de animais, ou seja, são o indicador principal do que é ser "humano". A dúvida permanece durante todo o filme. Quem é mais humano? Quem tem mais empatia? Será Deckard mesmo humano? Ou apenas uma experiência nova, mais evoluída como a Rachel?
Não me canso de elogiar este filme. É tão complexo e tão pormenorizado que era capaz de estar aqui todo o dia a falar dele, das divergências criativas com o estúdio, do casting que se dava mal e dos problemas na produção, por isso vou fazer uma auto-censura e ficar por aqui. Apenas vou mencionar os actores que lhe deram corpo: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, M. Emmet Walsh, Daryl Hannah, William Sanderson, Brion James e Joe Turkel. Encarnaram tão perfeitamente estas personagens que nem sequer imagino outros actores. Apesar de todos os problemas (e ironicamente são sobejamente conhecidos os problemas entre todos eles durante a rodagem) acho que foi mesmo a melhor escolha de sempre num casting. Perfeito.
Blade Runner é uma obra prima intemporal que toda a gente deveria ver. Em Novembro de 2019 vou seguramente vê-lo outra vez. ●●●●● + ●

Até os trailers evoluíram desde o lançamento original desta obra-prima. Eis a nova versão que mostra como hoje as coisas são vistas de uma forma totalmente diferente...

O ano é 2022 e a realidade é um distopia viva. O mundo do detective Thorn (Charlton Heston) dá uma volta de 180 graus quando lhe é designada uma investigação de homicídio numa zona rica e exclusiva da cidade. Mas o mundo de Thorn é também um mundo superpovoado (40 milhões de pessoas só em Nova York), poluído e de recursos sobreexplorados e escassos. É um mundo onde a eutanásia é uma matéria de estado que tem centros próprios para acabar com os idosos, que no momento em que são envenenados e esperam a morte, podem finalmente rever num monitor o extinto mundo natural em todo o seu esplendor... É neste mundo pessimista e terminal que Thorn conhece Shirl (Leigh Taylor-Young), uma "mobília". Soylent Green tem conceitos muito fixes e muito avançados. "Mobília", por exemplo é o que se chamam às mulheres que fazem parte do contrato de arrendamento que os ricos assinam quando vão para os tais apartamentos chiques na "alta" e vivem numa realidade paralela dos milhões de pessoas a viver em vãos de escadas... As pessoas são tantas que são literalmente tratadas como lixo... O próprio termo "soylent" é uma mistura de soja (soybeans) e lentilhas o que me lembra imediatamente a mudança nos conceitos alimentares relativamente recentes...
Soylent Green foi adaptado do livro de Harry Harrison, "Make Room! Make Room!", e lida com temas extremos como a conspiração, distopia, canibalismo, homicídio e destruição ecológica à escala planetária. E é uma obra negra, pessimista e que não acaba bem. É mesmo típico dos filmes dos 70's. Os anos 70 foram ao mesmo tempo o pináculo e a década do nascimento da verdadeira ficção científica. Foi quando se começou a aliar a lógica e o pensamento científico ao espectáculo do cinema. Apesar de só ter contacto com este e outros filmes do género muito mais tarde (nos 80's), isso teve um efeito profundo em mim. Neste caso específico, fez com que começasse a estar alerta para a ecologia e começou a incutir-me a curiosidade de como o mundo natural funcionava e como o homem o poderia desestabilizar ou até mesmo o destruir. Até essa altura eu não tinha noção que isso seria sequer possível. Não tinha conhecimentos nem inteligência suficiente para perceber. Soylent Green foi um filme que literalmente mudou o meu mundo e que mudou a forma como via o mundo. E também mudou a forma como via os filmes. Aquele final simplesmente explodiu-me com o cérebro... E teve o condão de o pôr a funcionar de outra forma. Aquilo seria possível? Seria possível a Terra e o Homem chegarem àquele ponto? Quem eram aquelas pessoas que conseguiam imaginar um futuro assim? Ainda hoje, sempre que ouço um camião do lixo a carregar ao longe, lembro-me sempre do Soylent Green. Claro que é um filme que está datado no tempo e faltam-lhe muitas "coisas" de 2022. Mas quem é que consegue imaginar o mundo daqui a 50 anos e mostrá-lo exactamente como será viver nele? É preciso dar o desconto devido...
Este foi o último filme de Edward G. Robinson que se debatia com um cancro, embora ninguém soubesse. Na cena da eutanásia, Heston estava mesmo a chorar devido à actuação "real" de Robinson... Pensando bem, é de facto, cruel. A última coisa que filmou foi a sua "morte", o que viria realmente a acontecer uns dias depois do final das filmagens. Mais um elemento mítico a juntar ao próprio carácter mítico do filme em si.
Soylent Green é um clássico intemporal, imperdível e imprescindível. É daqueles filmes que tem uma história que dá para infindáveis dissertações e discussões. Mas o melhor é ver. Diria que é mesmo obrigatório ver. E que seja a uma terça-feira, pois terça-feira é dia de Soylent Green... ●●●●● + ●

Baseado numa história verídica, The Elephant Man mostra os últimos capítulos da vida atribulada de John Merrick (apesar do verdadeiro nome ser Joseph Merrick), após ser descoberto pelo médico Frederick Treves que o retira duma vida degradante como atração de circo.
Devido a ter o corpo horrivelmente deformado e em consequência ser rejeitado pela sociedade vitoriana, é usado como mero objecto de demonstração por Bytes, um homem sem escrúpulos. É-lhe negado qualquer tipo de humanidade, conforto ou vislumbre de felicidade.
The Elephant Man é uma história excepcional sobre a elevação do ser humano. É a história da luta da inclusão e do humanismo contra a humilhação, o ódio pela diferença, o medo do desconhecido e principalmente contra a ignorância. Sempre ouvi dizer que a realidade é muito mais estranha que a ficção. The Elephant Man é a prova disso.
Dificilmente conseguiria imaginar outros actores aqui. Tudo verdadeiros "senhores" do cinema: Anthony Hopkins, Anne Bancroft, John Gielgud e Freddie Jones, com o óbvio destaque para o John Hurt, que apesar de não aparecer (na sua forma "original", digamos assim), tornou-se imediatamente num dos meus actores favoritos de sempre.
The Elephant Man é uma obra prima cinematográfica de David Lynch. Parece óbvio que vai buscar muita inspiração visual (e sonora) ao alucinado Eraserhead, feito uns anos antes, como por exemplo a fotografia a preto e branco que é do outro mundo. A música de John Morris encaixa perfeitamente... É uma verdadeira obra de arte audiovisual. Foi nomeado para inúmeros prémios e ganhou outros tantos, desde Óscares a BAFTAS. É muito bom. Gosto imenso do David Lynch e de todos os seus filmes (mesmo que por vezes não os entenda), mas se calhar, elejo este como o melhor. Não consigo apontar-lhe defeitos ou algo que pudesse estar melhor. Intemporal e obrigatório. ●●●●● + ●

Há filmes de tal forma especiais que acabam por se tornar icónicos. Jaws é um deles. Nem vale a pena alongar-me muito. Já foi tudo dito. Quem nunca viu o Jaws? Quem não conhece o poster? Quem é que não conhece "aquela" música do John Williams? Exacto.
Jaws é um filme muito especial por várias razões. É um dos primeiros filmes (quase uma estreia) de Steven Spielberg, um dos meus realizadores favoritos de sempre. (Meu, e de muita gente). Depois, Jaws, praticamente inventou o conceito de blockbuster de Verão, mudando a própria história do cinema. (ironicamente, há pouco tempo, li um artigo com uma entrevista ao Spielberg em que ele dizia que os blockbusters acabarão por ditar o fim do cinema actual)
Por fim, Jaws é especial porque é um daqueles filmes de nota 6. O tempo não os afecta. Quem viu o filme em 1975 saiu tão afectado do cinema como uma pessoa que o veja hoje. Mesmo passado tanto tempo, tudo é actual. Os efeitos especiais continuam impressionantemente realistas, mas especialmente porque o medo é intemporal, principalmente o medo do desconhecido...
Pessoalmente, Jaws foi um trauma. Vi-o muito novo e estive muito tempo sem passar da borda da água no mar com medo que um tubarão aparecesse e me comesse um pé. Mas é isso que uma pessoa espera de um grande filme de terror, não é? Qual é o interesse de ver filmes de terror e sair a rir de uma sala de cinema? Spielberg fez uma jogada de mestre ao esconder o "monstro". O grande tubarão branco não aparece na maior parte do tempo. É o método mais infalível para meter medo. É não ver o perigo, mas saber que ele existe. Mesmo hoje, se estou a nadar mais longe da praia e algo me toca debaixo de água, a primeira coisa que me vem à cabeça é... Tubarão!
Jaws não tem uma história do "outro mundo". É totalmente linear mas sem falhas. É mesmo "só" um tubarão a atacar veraneantes. (Se o Peter Benchley lê isto dá-me uma sova). A forma como é contada é que está espectacular. Tem qualquer coisa de Moby Dick. É simples, mas tem algo de clássico ao mesmo tempo. Como se costuma dizer, a simplicidade é a derradeira sofisticação. Pensando bem, Jaws resume-se mesmo assim: simples mas sofisticado. Deve ser por isso que não passa de moda.
Também ajuda ter actores muito bons. Roy Scheider, Robert Shaw e Richard Dreyfuss estão exemplares e são todos tão antagónicos que isso reflecte-se nas próprias personagens.
A conversa entre os três, numa noite calma, dentro barco que por acaso de chama Orca (as orcas atacam os tubarões), apesar de simples é excelente. É tão calma que uma pessoa instintivamente sente que algo de grave vai acontecer. Jaws está repleto destes pormenores de classe. Como por exemplo a morte de Quint que é das mais violentas que já vi no ecrã. O homem está literalmente a ser comido por um tubarão. E está espectacularmente bem feito. Como tudo resto. Para mim, Jaws é um dos melhores filmes de sempre. É o protótipo do filme perfeito. ●●●●● + ●

Os filmes que são excepcionais - os de "6 estrelas" - têm uma coisa muita boa: não é preciso revê-los para comentar. Ficam gravados na memória e isso ajuda muito quando se tem um blog de cinema.
Como estranhamente estamos a reviver (e muito) a lógica Orwelliana, acabei de rever mentalmente Animal Farm (1954), um clássico de animação, reservado a adultos. E sublinho o reservado a adultos pelo simples facto de que é impossível explicar a acção deste filme a uma criança, além de me parecer totalmente inapropriado. Bem, se calhar estou a projectar os meus traumas... Lembro-me bem dos gritos do burro Benjamin enquanto corria atrás do carro que leva o amigo Boxer para o matadouro, depois de ser vendido pelos porcos. Como é que se explica isto a uma criança sem a traumatizar? A primeira vez que o vi, tinha para aí uns 13 ou 14 anos e apesar do aspecto similar da animação, percebi rapidamente que não estava a ver um filme Disney. Além disso, obviamente, faltavam-me as bases de conhecimento político e social para entender esta fábula. Como seria de esperar, levei uma "pancada na cabeça"...
O filme baseia-se no livro de George Orwell de 1945 com o mesmo nome e é tão conhecido e está tão enraizado na cultura popular que nem vale a pena escrever mais sobre o assunto. Animal Farm é uma exposição mais ou menos dissimulada de como o ideal comunista se desmorona/desmoronou com o tempo e se torna/tornou uma ditadura tão ou mais brutal como a organização social que a precedeu.
Facto pouco conhecido (pelo menos para mim e que só descobri enquanto pesquisava sobre o filme) é que George Orwell, autor do também mundialmente conhecido "1984", chamava-se realmente Eric Arthur Blair. Mas, como eu digo sempre, isso não interessa para nada. O que interessa é que tanto o livro como o filme são óptimos.
Gosto de simbolismos, daí que este filme seja um dos meus filmes de eleição. Há obviamente comparações directas e sobreposições das figuras históricas, como por exemplo Napoleon que é na verdade Estaline; o embriagado dono original da quinta, Jones, que é Nicolau II e Snowball que é Trotsky. Menos consensual é Old Major que tanto me parece ser Lenine como Karl Marx, mas se calhar é mesmo uma mistura dos dois. Figura também dúbia é Pilkington que parece ser uma mistura do bloco Estados Unidos/Inglaterra. Toda a gente tem as suas teorias e todos com quem comentei o filme têm ligeiras nuances sobre quem é quem e sobre o que se trata verdadeiramente Animal Farm. Há meia internet a discutir os mais ínfimos pormenores e tudo o que gira em volta dos simbolismos do filme.
De todas as comparações e simbologias desta fábula destaco especialmente quatro: Boxer, Benjamin, Mr. Whimper e o gato.
O cavalo Boxer é uma excelente representação da massa trabalhadora anónima e também uma ferramenta indispensável dos governantes e dirigentes. Infelizmente, tal como qualquer outra ferramenta, Boxer, possui as mesmas características, podendo ser bem ou mal utilizado. Assim que a sua utilidade se vê reduzida devido a um acidente de trabalho na construção do farol do regime - o moinho -, Boxer é vendido sem complacência. Parece óbvio deduzir, que independentemente do estilo de governação, a massa trabalhadora é uma massa capaz de elevar o orgulho colectivo, mas que também acaba por ser uma das responsáveis pelo crescimento desmesurado e desregrado de regimes autoritários e das suas manobras de propaganda. Ainda assim, Boxer traduz-se naquela massa humana, que apesar de discordar das ideias dos governantes devido a uma análise atenta que faz da sociedade que o rodeia, acaba por se sacrificar pessoalmente perante as necessidades do colectivo, na esperança que o seu trabalho resulte num futuro melhor para todos.
Benjamin, o burro, simboliza uma parte da massa trabalhadora, tal como Boxer. A diferença entre eles parece ser apenas uma questão de inteligência e percepção da realidade. Como quem diz, esta é aquela parte estúpida que responde sempre com um enorme sorriso e um sonoro obrigado, quando lhe oferecem umas míseras cenouras... que foi ele que pagou. Companheiro inseparável de Boxer, Benjamin é, por assim dizer, mais "curto de vistas". Apesar de trabalhar lado a lado com Boxer e de ter a mesma capacidade de trabalho e sacrifìcio, Benjamin faz uma análise menos objectiva da sociedade (ou nem chega a fazê-la) e deixa passar em branco muitas das atrocidades do regime. Ou não quer ver o que se passa ou está desatento. Apenas no momento em que perde o seu melhor amigo é que finalmente percebe que quem o governa é afinal um inimigo interno, igual ou pior que as ameaças externas. Só perante uma situação extremamente grave e que o implica directamente, é que esta "massa trabalhadora" consegue de facto pôr de parte o cinismo com que olha para a situação e percebe que tem de arregaçar as mangas e fazer alguma coisa para mudar o rumo aos acontecimentos.
Mr. Whimper, o intermediário entre animais e humanos, com o tempo foi-se tornando numa das personagens mais interessantes. Convém lembrar que o filme é de 1954 mas o livro tem data de publicação de 1945 e foi escrito ainda antes dessa data. O grande mundo corporativo dava os primeiros passos globais enquanto a sociedade cambaleava do meio de duas guerras mundiais, e em que a União Soviética ainda era, para todos os efeitos, uma Aliada, facto esse que, obviamente, dificultou a publicação do livro. Mas, analisando a continuidade das personagens no tempo para lá do representativo do livro/filme, Mr. Whimper é um dos poucos que mudou e cresceu em importância. No filme, é uma pequena personagem que lucra com os produtos que saem da quinta e lucra o suficiente para ser olhado com desconfiança pelos outros donos de quintas. O seu papel fica por aqui, mas se houvesse uma sequela do Animal Farm e as sobreposições históricas fossem continuadas, Mr. Whimper seria sem dúvida a personagem de topo no momento, representativa do aparecimento de uma nova força espelhada no comerciante obcecado pelo lucro. A semente da era actual do gigantismo corporativo global, sem fronteiras, e do capitalismo puro e duro é o Mr. Whimper! Ele rege-se apenas e só pelo dinheiro. São-lhe indiferentes os regimes polìticos, as pessoas, os papéis e as leis. Nada é tão importante quanto o dinheiro e lucro. Não importa a sua origem, desde que o destino seja o seu bolso. Extrapolando o conteúdo do filme, facilmente se pode imaginar que por muitas voltas e reviravoltas que aconteçam na "gestão" da quinta, mais cedo ou mais tarde, Mr. Whimper acabará por ser o "chairman of the board" da grande empresa que irá comprar Animal Farm. E se isso acontecesse, uma grande parte da quinta iria ser transformada numa área de belos condomínios e todos os animais estariam cobertos de impostos e burocracia. Se calhar estou a a extrapolar demais, mas como tudo é cíclico, veremos... Pode ser que um dia haja um Animal Farm 2...
O Gato, o qual desconheço o nome, é talvez a única não-personagem e uma das minhas preferidas. Já vi muitas teorias que apontam em várias direcções quanto ao que o gato poderá representar. A única coisa certa é que o gato está lá. Não está presente nos grandes acontecimentos, mas acaba sempre por cruzar a acção. Não participa mas também não está excluído. Quem é este misterioso gato? Será um símbolo dos excluídos da sociedade? Um apátrida? Será um refugiado ou um exilado de outra "animal farm"? Será um nómada, já que não parece pertencer ou ter grandes relações com o colectivo? Será um daqueles anarquistas sempre vestidos de negro, a trabalhar sorrateiramente nos bastidores? Nem sequer se percebe muito bem se apoia os "bons" ou os "maus" e a certa altura até apoia os dois lados. Na minha opinião, tal como na vida real, o gato não tem uma finalidade escondida, nem sequer representa nada em especial. Apenas representa o seu papel: o de ser gato, a olhar por si, a tentar passar despercebido sem causar grande alarido e mais nada. Com tudo o que isso tem de bom e de mau. Num filme com tanto simbolismo, é a única personagem que se representa a si própria. Como sempre, os gatos são superiores...

Tantos anos depois da sua estreia, Animal Farm, continua a ser uma referência, quanto mais não fosse, por ser a primeira longa-metragem de animação inglesa (mas também já li que foi a segunda!), muito por culpa da força criadora e visionária do casal-autor, Joy Batchelor e John Halas. Referência ainda para Maurice Denham, que teve o trabalho hérculeo e excepcional de fazer as vozes de todos os animais.
Animal Farm não é um filme de 6 estrelas pelos atributos técnicos avançados, mas porque de certa forma parece ter sido concebido quase como um manifesto intemporal. É inegável que é na história excepcional de George Orwell que reside toda a força do filme. De uma forma estranha, Animal Farm muda conforme os olhos de quem o vê e muda à medida que o expectador vai ficando mais velho. Mais estranho ainda, é Animal Farm conseguir ser simples e complexo ao mesmo tempo.
Revi-o mais tarde e por diversas vezes, e só aí percebi alguns dos paralelismos desta fábula com a revolução comunista e consequente degeneração de um ideal que aparentava ser uma alternativa. Esta característica de sobreposição da realidade fez com que o filme ficasse infelizmente preso no tempo. No entanto, e como tudo indica, a História parece ser cíclica, o que quer dizer que Animal Farm volta a estar actual. Já se fala novamente numa nova Guerra Fria. Vamos lá a ver se ninguém se lembra de levantar "muros" ou "cortinas" outra vez...
É de referir que há diferenças entre o filme e o livro, nomeadamente no final. Não sei se foi uma tentativa de aproximação mais light para dar um final um pouco mais feliz, ou se como já li numas teorias da conspiração, a CIA comprou os direitos e usou o filme como propaganda anti-comunista... Sinceramente não sei. O que sei é que quando se pega em simbolismos políticos, a história nunca é simples...

Como curiosidade, enquanto procurava um trailer encontrei... o filme inteiro disponível no youtube. Em tempos, Animal Farm já foi difícil de se encontrar no mercado português, mas agora está por todo o lado. É uma oportunidade de ouro para (re)ver um clássico que é muito mais que um filme de animação. É uma lição de história para quem tem olhos instruídos, um exercício mental de projecção do futuro e um acto contínuo de reflexão. Como obra de cinema é simplesmente único, incomparável, intemporal, obrigatório, mas acima de tudo, genial. ●●●●● + ●

Não. Não tem nada a ver com "aquela" cena dos 1% mais poderosos que controlam tudo e todos. Isto é sobre a teoria do 1 porcento (ou por cento?) dos filmes que são verdadeiras obras primas. Já por aqui expliquei como classifico todos os filmes que vi. Se alguém tiver paciência para os meus longos textos pode ler sobre isso aqui.
Dentro das avaliações, há uma classe de filmes muito particulares: aqueles que, do meu ponto de vista, preenchem todos os requisitos como obra cinematográfica e ainda têm algo mais: os filmes de "6 estrelas". (sim, estrelas, apesar de eu usar "bolas", mas isso é só porque não ainda consegui perceber como introduzir os símbolos correctos sem desconfigurar o texto...)
Ao longo do tempo, percebi que não existem assim tantos filmes deste gabarito. De todos os filmes que vi até hoje, se calhar, os de "nota 6" resumem-se a poucas dezenas. E como sou um gajo que tem sempre muitas teorias, automaticamente desenvolvi uma, que me diz que só de 100 em 100 filmes é que aparece um daqueles filmalhaços que nunca mais se esquece e que ficam para a história. Sinceramente, não sei se a teoria está certa. Nunca tive a oportunidade de a testar.
Mais uma outra coisa boa que saiu do facto de comentar os filmes num site: permite-me contabilizar e assim testar a teoria. Como o site chegou ao centésimo filme, para comemorar, vai já a seguir um desses filmes de "6 estrelas"...

A Escócia decidiu há umas semanas atrás referendar a sua presença no Reino Unido. Aproveitando a "onda" de notícias sobre o referendo, o Hollywood decidiu (e muito bem) desenterrar um (já) clássico do cinema: Braveheart, de Mel Gibson, um súbdito de Sua Majestade, mas pelo lado australiano.
É raro encontrar um filme como Braveheart. É um filme perfeito, daqueles que irão figurar em qualquer lista dos melhores filmes. Quem o revê - como foi o caso - perde logo à partida a parte melhor do filme. Tenho a certeza que grande parte das pessoas não são especialistas em História Escocesa, logo, o final é muito mais impactante quando se o vê pela primeira vez. Quem já viu o filme, percebe perfeitamente o que digo.
Ainda assim, mesmo vendo o filme pela terceira vez, não consigo deixar de ficar surpreendido, porque este é um daqueles filmes que parece não ser afectado pelo passar do tempo. Todos os aspectos são excelentes. Desde a realização aos actores, passando pelos aspectos técnicos, nada tem falhas. As cenas de batalhas são óptimas, viscerais e explicitamente realistas e por isso mesmo, marcaram pela diferença relativamente ao que se fazia até ali. Pode parecer estranho, mas cortar pernas e braços não era mainstream em 1995. Os actores são muito bons, com especial referência para o casting. Quando uma personagem entra em cena e uma pessoa "desgosta" logo dela sem que a personagem precise de abrir a boca, isso é um bom casting.
Destaque para o Mel Gibson - sempre o apreciei - que como realizador e actor cumpre sem falhas as duas tarefas. Aliás, o Mel Gibson "é" o William Wallace. Disso não tenho dúvida. Como realizador não há muito para dizer sobre Mel Gibson: conseguiu criar algumas das imagens mais icónicas do cinema no seu filme de estreia. O que mais há para dizer?
Braveheart é um daqueles filmalhaços de quase 3 horas. Podia ser maçudo e moroso de ver, mas não é o caso. Está tão bem equilibrado que se vê "num instante". Rever este filme provoca-me sensações antagónicas. Por um lado, lembra-me tristemente que já passaram quase 20 anos desde a sua estreia, e eu estava algures por aí numa sala de cinema a assistir. Quase que ainda nem existia internet nessa altura. Incrível! Por outro lado, fico muito contente por existirem filmes excelentes como é o caso deste. Braveheart é um dos grandes filmes do cinema para ver e/ou rever. Obrigatório, por isso leva a classificação máxima. ●●●●●+●

Adenda:
...e portanto lá vai para 4.ª vez (ou mais) que vejo o Braveheart. É um daqueles filmes que simplesmente não consigo resistir. Se está a dar por aí em algum canal, simplesmente não consigo mudar... Não é que tenha muito mais a acrescentar ao que já disse, mas aproveito para reafirmar que é um daqueles grandes filmes que se tornou num clássico instantâneo e que por direito próprio se mantém totalmente actual e obrigatório.
Esta nova entrada é mais uma oportunidade para tratar doutros temas do que propriamente do filme. Como por exemplo, o facto de avisar que este blog NÃO É uma enciclopédia de cinema, nem todos os dados são totalmente fidedignos (mencionei aqui que erradamente o Mel Gibson é australiano, quando descobri há pouco tempo que tinha nascido na América e depois é que emigrou com 12 anos para a Austrália, ou que o Braveheart era o primeiro filme dirigido pelo Mel Gibson, quando já tinha feito em 1993 o The Man Without a Face), nem sequer os termos cinematográficos são os mais adequados (os termos usados aqui, são os "meus" termos, como fotografia, realização ou edição). Este blog é a forma como eu vejo os filmes, e não são propriamente críticas ou apreciações científicas ou técnicas dos filmes ou do cinema em geral. Isto é como é eu vejo e sinto os filmes.

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